martes, 5 de marzo de 2013
viernes, 1 de marzo de 2013
Representante Del Diseño Gráfico
Representantes Del Diseño Gráfico
Mundiales: Aubrey V. Beardsley, quien destaca como
dibujante y es llamado "el discípulo del diablo". Beardsley fue gran
opositor de las ideas de William Morris y se caracterizó por su gusto por
reflejar el arte decadentista de fines del siglo XIX, influido por el arte
oriental utilizó ornamentos con este estilo y se observa también en sus diseños
el predominio de los espacios en blanco, brilló
en la ilustración de libros como "Salomé" de
Oscar Wilde (1894).
Otros representantes destacados fueron el notable arquitecto ingles de la
segunda mitad del siglo XVII, Christopher Wren y el acuarelista y pintor Walter
Crane, precursor del renacimiento de las artes (Modernismo) y del Art
and Craft. Crane ilustró libros de cuentos infantiles como El Grimm,
Robin Hood y Don Quijote. Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó por el
uso de formas geométricas, simples y sin ornamentos, aunadas a una tipografía
igualmente sencilla. Y el Art and Craft se refiere al grupo de artesanos,
artistas, diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el
estado de las artes aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente
inspirado por William Morris, otros artistas importantes en el movimiento
fueron Henry Holiday, Walter Crane, el arquitecto y diseñador Philip Webb,
Alejandro Fisher y Christopher
Whall.
Uno de los más notables precursores del
racionalismo fue el arquitecto británico Charles R. Mackintosh, quien
se destacó por sus construcciones geométricas. Se caracterizó por su dedicación
en la elaboración de carteles, muebles y objetos ornamentales, y por la
búsqueda de la estilización de las formas rectangulares combinadas con suaves
curvas.
Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo, quien
estudió arquitectura bajo la tutela de James Brooks y asistió a clases de
dibujo por John Ruskin. Su admiración por el Renacimiento lo llevó a creer en
la unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert P. Horne, y
el artista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el Gremio del Siglo,
el periódico del Gremio: "El Caballo de la
Afición", fue diseñado inicialmente por Mackmurdo. El británico William
Nicholson fue pintor, impresor y diseñador de teatro. Empezó su carrera
profesional como diseñador de carteles y como ilustrador de libros, donde los
contrastes llamativos de negro y blanco de su técnica del woodcutting fue
acostumbrado a gran efecto. En 1894, Nicholson empezó colaborando en
planes del cartel con sus cuñado James Pryde y los dos se dieron a conocer como
los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff
Brothers).
Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a experimentar
con la suma de tintes sutiles de verde y ocre a sus composiciones negras y
blancas. Nicholson se conoció pronto por su habilidad e innovación en
el medio, elevando la forma de arte a un nivel alto de éxito, ambos
estéticamente y comercialmente. En 1897, el artista produjo su retrato: Reina
Victoria, el cual es una de las impresiones británicas más
famosas.
Otro
precursor del diseño fue Peter Behrens, quien originalmente fue entrenado como
pintor, su estilo provisional estimuló una nueva abstracción geométrica en su
trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artístico
al AEG en Berlín donde creó la primera imagen corporativa del mundo. Behrens es
considerado una figura importante en la transición al Clasicismo Industrial, y
jugó un papel central en la evolución de Modernismo alemán.
Colombia:
La historia del diseño gráfico en Colombia, prácticamente
comienza a finales del siglo XIX en el año 1881 con la diagramación del “Papel
periódico ilustrado” que fue un periódico que desató importantes movimientos
culturales en la época y se destacaba por un avance en el grabado y una gran
creatividad en su diagramación.
Abraham y Abadías Cortes, más o menos por la misma época,
fundaron una de las primeras tipografías en Colombia y uno de los primeros
almacenes de elementos de oficina.
En 1889, fue fundada en Medellín la tipografía “Felix de
Bedout”, quiénes hicieron avances técnico importantes en el área como
introducir la primera prensa de cilindro, ya que en esa época sólo existían las
de mano.
En 1904 se fundó Carvajal y Cia que hasta hoy en día sigue
funcionando y es una de las empresas más grandes del país en el área de la
impresión y los empaques.
En 1904 Enrique Olarte gana el primer premio en el Concurso
de portadas para la revista Lectura y Arte de Medellín con inspiración hacia el
Art Noveau.
Abadía y Abraham Cortés en 1910, publican El Gráfico, que
era una revista semanal que circuló durante 31 años, publicaron avisos de forma
gratuita para sus clientes, lo cual los convierte en los pioneros en avisos
clasificados en Colombia.
En 1911 se funda en Tiempo, uno de los periódicos más
reconocidos de nuestro país y América latina hasta nuestros días, como apunte
interesante, en la primera página de su publicación había sólo avisos
clasificados.
En el año 1912 se funda el periódico el colombiano.La
revista Cromos fue una de las primeras en Colombia, fundada en el año 1916, en
sus portadas acostumbraban publicar pinturas de pintores colombianos.
Colatabaco en 1924 crea uno de los primeros departamentos de
publicidad para una empresa colombiana, como detalle interesante en 1925 fue
promocionado un concurso para la etiqueta de cigarrillos pielroja que ganaron
Ricardo Rendón y Miguel Angel del Río, esta etiqueta de cigarrillos pielroja
puede ser considerada como unos de los primeros y más memorables diseños
gráficos en colombia, la etiqueta de cigarrillos pielroja aún sigue vigente en
nuestros días, casi 80 años después.
A mediados de 1920 empiezan a destacarse los primeros
ilustradores de prensa y de carteles para muros, entre ellos se destacan: Gómez
Leal (Bogotá), Etelberto Isaza y David Álvarez (Medellín), Núñez Navas
(Bucaramanga).
La “Revista Pan” fue una importante publicación para la
divulgación artística y cultural en Colombia, se fundó en 1935 y fué dirigida
por Enrique White. Mas o menos por la misma fecha se fundan las primeras agencias
de publicidad en Colombia.
Desde mediados hasta finales de los años treinta se diseñan
los logos de la Compañía Nacional de Chocolates, Coltejer y Fabricato marcas
representativas colombianas hasta nuestros días, estos diseños fueron a cargo
de Humberto Chávez, Felix Mejía, Jaime Posada y Luis Eduardo Viecco.
Sergio Trujillo Magnenat, en el año 1936 marcó una brecha
sobre los alcances de la ilustración en el diseño gráfico cuando diseñó las
revistas “Rin Rin” y la “Revista de las Indias”
En 1936 se destacan los carteles para los juegos
bolivarianos diseñados por Sergio Trujillo.
En los años 40 se destacan: en 1940 el departamento de
publicidad de bavaria que fué dirigido por Hernado Téllez Blanco con la
colabopración del pintor Cavanzo. La “Revista Vida” que había sido fundada
desde 1935 por la Compañía Colombiana de Seguros y dirigida por Santiago
Martínez Delgado quién fué reconocido diseñador gráfico en su época, discípulo
de Frank Lloyd Wright. La revista “América” de Sergio Trujillo Mangnenat y fué
publicada del año 1945 al 1956. También se fundó la revista Semana diseñada
novedosamente por Ponto Muso, las primeras portadas fueron diseñadas por el
caricaturista Franklin. En 1949 la Universidad de los Andes dió a conocer un
curso sobre diseño básico, dirigido por Alvaro Ortega.
En 1952 se fundó la Revista Lámpara en la que participaban
en un principio los pintores y escultores Eduardo Ramírez Villamizar, Omar
Rayo, Peter Aldor, Fernando Botero, Alejandro Obregón y Enrique Grau. Por esta
época la caricatura tomó mucha fuerza en la publicidad y se comenzaron los
primeros periódicos a color.
En 1959 se crea uno de las más reconocidas imágenes gráficas
colombianas a nivel mundial, el personaje de Juan Valdez, no fué diseñado en
Colombia, sino por encargo de la Federación Nacional de Cafeteros por la
agencia norteamericana de publicidad Doyle Dan Bernbach. El logotipo que
conocemos en la actualidad se presentó hasta 1981.
sábado, 23 de febrero de 2013
Fotografía
TIPOS DE CÁMARAS FOTOGRÁFICAS
Existen multitud de tipos distintos de camaras fotograficas, y los posibles criterios de clasificacion son tambien innumerables teniendo en cuenta la complejidad y especializacion que ha alcanzado la tecnologia en este campo.
-Menor costo
-Visor óptico directo
-Objetivo no intercambiable
Cámaras Compactas De 35mm
Sin duda las cámaras compactas de 35mm son las mas
extendidas mundial mente son de gran sencillez de uso y requiere
conocimientos y practica fotografía mínima.
Las características principales son:
-Menor costo
-Visor óptico directo
-Objetivo no intercambiable
Cámaras APS
Cámaras APS
Cámaras réflex SLR
Éstas
suelen ser las cámaras preferidas por los fotógrafos aficionados y
profesionales, ya que permiten un control casi absoluto sobre cada uno de sus
elementos y parámetros y disponen de multitud de accesorios intercambiables
para distintos propósitos. En general poseen las siguientes características:
·
Visor réflex o de penta prisma, que permite ver
exactamente lo que se ve a través del objetivo.
·Objetivos intercambiables.
·Fotómetro o exposímetro incorporado.
·Zapata de conexión para flash externo.
·Control (anillo) de enfoque manual.
·Obturadores muy
rápidos.
Cámaras digitales
Cámaras digitales
Una cámara digital es un
dispositivo electrónico usado para capturar y almacenar fotografías electrónica mente en lugar de usar películas fotográficas como las cámaras convencionales.
Cámara TLR (Twin Lens Reflex): es una cámara réflex de objetivos gemelos (uno encima de otro) que intenta solventar el principal problema del visor réflex, el que no se pueda ver la imagen durante el disparo (ya que el espejo que la conduce se abate para dejar pasar la luz hacia la película fotográfica o el sensor de imagen). Para ello monta dos objetivos: uno para tomar la foto y otro para conducir la imagen hacia el visor. Debido a esta configuración, adolecen del error de paralaje y de inversión lateral de la imagen en el visor, por lo que hay que acostumbrarse a usarlas sobre todo para realizar fotografías de objetos en movimiento. Son cámaras en desuso y muy pocas tienen objetivos intercambiables. Además habría que comprar dos objetivos para cada distancia focal.
Cámara de estudio o
de banco: Aquellas que están montadas sobre bancos ópticos y raíles para
permitir todo tipo de descentramientos, basculando los paneles delantero y
trasero; lo cual da un control absoluto sobre la forma de la imagen, su
perspectiva y el reparto de la profundidad de campo.
Cámara miniatura: Son las cámaras de fabricación en serie más
pequeñas. Suelen tener formatos absolutamente particulares, especiales y su uso
es, principalmente, la de actuar como cámaras espía. Estas cámaras suelen ser
absolutamente automáticas careciendo de cualquier tipo de control aparte del
disparador. Aunque existen cámaras de este tipo con película fotográfica
(películas especiales de 16mm. de anchura), actualmente la mayoría de estas
cámaras son cámaras digitales ya que ofrecen mayores posibilidades
de miniaturización.
Cámara panorámica: Que proporcionan un ángulo de visión superior
sin deformaciones.
Cámara aérea: Cámaras de satélites, fotogametría y cartografía.
Cámara subacuática: Específicamente diseñadas para trabajar bajo
el agua a gran profundidad.
Cámara estereoscópica: Que intentan reproducir el funcionamiento
de los dos ojos humanos (dos fotos simultáneas desde dos puntos separados 63mm
con las que luego se puede reproducir la visión estéreo con un visor especial).
Cámara "Pocket" o 110: Es una cámara diseñada para
aficionados que cuenta con un foco fijo de 25mm y un rollo de 16 mm.
Proporciona fotogramas de 12, 18 o 20 de tamaño 13x17, que ocupan las películas
de 110.
Técnicas portátiles y tipo "press": Utiliza películas en
rollo. Su estructura consiste en un panel que monta un objetivo que tiene un
obturador central y un diafragma, además de empuñaduras que conectan flash
telémetros y visores intercambiables.
Tipos De Objetivos Fotográficos
Según características de la distancia focal
De distancia focal fija: Se destacan por poseer una calidad
óptica superior, ya que están construidos con menor número de elementos. Suelen
ser más luminosos a distancias focales equivalentes; poseen menos aberraciones
geométricas y cromáticas, que perjudican la calidad de la imagen respecto de
objetivos tipo zoom, y son más livianos y compactos que estos últimos. Como
desventaja, hacen necesaria la sustitución por otros objetivos cuando se hace
necesaria una longitud focal distinta, puesto que su longitud focal no puede
cambiarse.
De longitud focal Variable: Tienen la ventaja de
brindar varias longitudes focales agrupadas en un solo cuerpo de objetivo, lo
cual se consigue mediante el movimiento de ciertos elementos dentro del mismo.
Esto los hace más versátiles para el uso diario puesto que no requiere el
cambio de objetivo para obtener una longitud focal diferente. Como desventaja,
poseen más elementos ópticos, con lo cual existe una mayor probabilidad de
aparición de aberraciones y mayor pérdida de luz, lo cual hace que sean menos
luminosos que sus contrapartes de focal fija. Por otra parte, son más pesados y
frágiles que un objetivo fijo en igual relación de luminosidad.
Existen dos tipos de objetivos de longitud focal variable: Los
objetivos parfocales (verdaderos zoom) y los objetivos variofocales. Ambas
clases de objetivo pueden variar su longitud focal a voluntad del usuario; sin
embargo la diferencia entre ambos radica en que los primeros mantienen el foco
durante el cambio de longitud focal, mientras que en los varifocales la
distancia de enfoque cambia. Esta característica era considerada importante
durante las primeras épocas de la filmación de vídeo, puesto que era necesario
que el foco se mantuviese estable durante el cambio de enfoque (hacer zoom);
hoy en día, gracias a los sistemas de auto foco su relevancia ha
disminuido entre los fabricantes, por lo cual la mayoría de diseños de
objetivos llamados zoom son varifocales.
Super gran angular: con distancias focales entre 12 y
28 mm (para película de 35mm) y un ángulo de visión superior a 80°. Suelen ser
empleados para conseguir determinados efectos especiales que se obtienen por su
distorsión de la imagen.
Objetivo ojo de pez: Se trata de un angular
extremadamente amplio, superando los 180° en algunos casos. Proporcionan una
profundidad de campo extrema, y las líneas de la imagen se proyectan curvas,
como si estuvieran reflejadas en una esfera. Se diferencian dos tipos: los que
abarcan toda la superficie de exposición (película o sensor) formando por tanto
imágenes rectangulares, y los que forman una imagen circular.
Gran angular: de 28 a 40 mm de distancia focal, y
ángulos de captura entre 60 y 180°. Se utilizan para vistas panorámicas de
paisajes, arquitectura, deportes.
Normal: Entre 45-70 mm y con un ángulo de entre 40 y
65º. Se caracterizan por crear imágenes con aspecto semejante a la visión del
ojo humano. Su profundidad de campo es moderada.
Teleobjetivos: Poseen longitudes focales entre 70 a 300
mm, y con un ángulo de visión menor a 40°. Tienen una profundidad de
campo reducida respecto a las longitudes focales más cortas. Como
característica de su imagen, comprimen la perspectiva mostrando objetos
relativamente lejanos en sí a un tamaño comparativo similar.
Superteleobjetivos: Distancia focal mayor a 300mm
llegando incluso a 1200mm. Permiten acercar objetos situados a grandes
distancias; su profundidad de campo es mínima, y por lo general se utilizan en
combinación con grandes aperturas para obtener imágenes de objetos totalmente
diferenciadas de su fondo. Se utilizan en la cobertura de eventos artísticos y
deportivos, y en la fotografía de fauna silvestre.
Especiales
Objetivos macro: Permiten el enfoque a muy corta
distancia. La denominación macro aplica cuando la imagen proyectada,
sobre la superficie fotosensible, tiene al menos el mismo tamaño del objeto
fotografiado.
Objetivos anamórficos, usados habitualmente en el cine (por
ejemplo en Cinemascope) para estrechar las imágenes sobre la película y
comprimir así vistas panorámicas. Obviamente, luego se utilizan también
objetivos de este tipo en el proyector para reconstruir las relaciones
originales.
Objetivos shift o descentrables, en los que se
puede desplazar el eje óptico, controlando así la perspectiva de la cámara. Se
usan mucho en arquitectura, por ejemplo para corregir la fuga de líneas que se
produce al hacer un contrapicado de un edificio.
Objetivos UV, construido con lentes de cuarzo o fluoruro de
cuarzo para poder fotografiar el espectro de luz ultravioleta.
Objetivos flou, que poseen un determinado nivel de
aberración esférica que produce cierto grado de difusión o efecto de halo, en
algunos el grado de difusión puede variarse a voluntad. Se usan para retratos,
desnudos y para conseguir cierto ambiente romántico y de ensoñación. Este
efecto también puede lograrse mediante filtros u otros trucos simples.
Objetivos submarinos, que además de ser estancos, están
diseñados para refractar la luz de forma óptima debajo del agua.
Objetivos medical, que son básicamente objetivos macro con
un flash anular automático incorporado para evitar sombras. Suelen ser de
una alta calidad y su uso principal -como su nombre indica- es la fotografía
médica. Según la geometría de proyección
Normal o Rectilínea: En ella aparecen clasificados la
mayoría de objetivos convencionales. Son diseñados con correcciones ópticas que
hacen una aproximación a la proyección paralela para crear la
imagen, de tal forma que las líneas rectas en la escena aparecen igualmente
rectas en la imagen. Los objetivos de longitud focal fija están diseñados para
cumplir este requisito, mientras que en los objetivos zoom es inevitable cierto
grado de distorsión de curvatura, lo cual es considerado un defecto para los
mismos.
Esférica: Proyectan la imagen como si estuviese dentro
de una esfera; debido al tipo de proyección, es posible crear objetivos con una
mayor cobertura angular que los objetivos de proyección rectilínea, a costa de
la distorsión de la imagen proyectada. Tienen su aplicación en la
vigilancia y en el campo artístico de la fotografía.
Apertura De Diafragma
El diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz
que penetra en la cámara. Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o
cerrándose para permitir que entre más o menos luz según sea necesario.Lo abierto que está el diafragma es lo que se llama apertura de diafragma. La apertura de diafragma se mide en números f. El salto de un
valor al siguiente se denomina paso. La escala de números f típica
es la siguiente, aunque no muestra todas las posibilidades, ya que los
diferentes pasos dependen del diseño del objetivo:
La relación entre los números f es que por cada paso la
luminosidad se duplica o se divide por dos si la aumentamos o la reducimos
respectivamente. Así f11 tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que
f8.
Es fácil liarse con los números y la apertura. La forma más
fácil de recordarlo es que el menor número f es la mayor apertura y el mayor
número f es la menor apertura. Como podéis ver son conceptos inversos.
En función del programa utilizado en la cámara la apertura
de diafragma se ajusta automáticamente o puede ajustarse de forma manual.
Cada objetivo tiene una apertura de diafragma máxima.
Si son objetivos con distancia focal fija la apertura máxima es fija, para
zooms la apertura máxima puede cambiar según varía la distancia focal o puede
ser fija, dependiendo del diseño del objetivo. La apertura de diafragma máxima
viene indicada en los objetivos. Por fin vas a entender qué significan esos
numeritos.
.jpg)
14-42mm 1:3,5-5,6 significa que el objetivo tiene una
distancia focal que varía entre 14 y 42 mm. En su distancia focal mínima (14mm)
tiene una apertura máxima de f3,5, y en su focal máxima (42mm) tiene una
apertura máxima de f5,6.
16-45mm 1:4 significa que el objetivo tiene una
distancia focal que varía entre 16 y 45 mm y en todo este rango la apertura
máxima es de f4.
La distancia focal es un tema que será tratado más adelante,
pero para entenderlo fácilmente es el acercamiento o alejamiento que da un
objetivo sin tener que desplazarte (zoom).
Velocidad De Disparo
El término velocidad de disparo es el tiempo que el
obturador permanece abierto dejando pasar la luz al sensor. En la fotografía
digital es el tiempo que el sensor de imagen “ve” la escena que está tratando
de capturar. Junto a la apertura del diafragma, es uno de los principales
componentes necesarios para formar una exposición adecuada.
En general se mide en segundos o fracciones de segundo; 1”,
2”, 1/20, 1/60, 1/250. Lo más frecuente es disparar con fracciones de segundo,
que a veces por comodidad se suelen expresar en la cámara con cifras como 30,
60, 250, 2000, etc. Lo habitual es que una cámara pueda seleccionar entre velocidades
que van desde los 30” hasta los 1/2000. Cuanto mayor es el denominador, mayor
será la velocidad, es decir, que será mucho más rápida. Esas velocidades son
las más utilizadas, ya que algo más lento es difícil de usar sin tener
movimiento de la cámara mientras que el obturador se abre y da lugar a falta de
definición en las fotografías. Para ello es necesario un trípode o
algún tipo de estabilización de imagen.
Múltiples son las combinaciones de velocidad de disparo
dependiendo de lo que quiera hacer. Velocidades cortas
(también llamadas rápidas se pueden utilizar para congelar el
movimiento, por ejemplo de un coche de F1, en cambio velocidades de
larga exposición (también llamadas lentas) se pueden utilizar
para difuminar intencionalmente movimiento para efectos artísticos o
para hacer fotografías nocturnas con poca luz, las cuales necesitan
esa velocidad para que llegue mas cantidad de luz al sensor. Hay que tener en
cuenta que cuanto menor sea la velocidad, mas sensible es la imagen cuando a
la vibración de la cámara.
A menudo las cámaras incluyen una o don opciones
para hacer exposiciones muy largas:
·Bulb: Mantiene el obturador
abierto, siempre y cuándo el disparador se mantiene.
·Por
tiempo: El obturador se mantiene abierto hasta que el disparador se
presiona de nuevo.
Hay una regla que sirve de orientación dice que
la velocidad mínima de disparo que te asegura que no te salga movida,
la imagen es la inversa a la distancia focal que uses; es decir, si disparas
con un 300mm deberías hacerlo a una velocidad de 1/300 para
asegurarte que no le salga movida, aunque también dependa de otra
condiciones.
La apertura y control de velocidad de disparo para una
exposición tienen una relación muy fuerte. El tamaño del diafragma del objetivo
permite la entrada de luz a través de la lente y controla la profundidad de
campo. La velocidad regula el tiempo para absorber la cantidad de luz.
 |
Resolución Original:(3.872 × 2.592 pixels, tamaño de
archivo: 400 KB; tipo
Sensibilidad ISO
El ISO es un valor que viene de los negativos fotosensibles.
Estos se clasificaban en funcion de su sensibilidad a la luz, siedo al
principio baja (lo que hoy seria un 25ISO, poe ejemplo). Despues fueron
sergiendo peliculas mas sensibles para fotografias nocturnas, espectaculos,
etc. pero a mayor sensibilidad ISO peor calidad, dado que aumenta el
"grano" o "ruido. Lo puedes comprobar en una camara digital
cuando intentas ver por la pantalla algo muy oscuro, parecen como puntos
negros.
El valor que comentas de la lente es, como bien dices, la
apertura del diafragma, que ayuda a que puedas variar la entrada de luz en la
película. Suele complementarse con la velocidad de obturación: a mayor
apertura, menor necesidad de luz ->menor tiempo de exposición. Si por el
contrario quieres cerrar el diafragma para ganar detalle (cuanto más cerrado,
habrá menos cosas desenfocadas), lo complementas con un tiempo de exposición
mayor.
Profundidad De Campo
La profundidad de campo es un término utilizado en
fotografía para expresar el rango de distancias reproducidas con una nitidez
aceptable en una foto. Explicado en el lenguaje más llano posible, cuando miras
una fotografía y en ella hay zonas nítidas y otras más borrosas, la profundidad
de campo es la zona de tu fotografía que se aprecia nítida.
Los elementos que afectan la profundidad de campo
La profundidad de campo es un recurso de composición
fotográfica excelente, ya que influye de forma decisiva en la atención que
mostramos a la hora de contemplar una fotografía.
Inconscientemente, dirigimos nuestros ojos a aquellas zonas
de la imagen que se encuentran más enfocadas frente a aquellas otras que no lo
están.
Esto convierte la profundidad de campo en un arma
infalible que juega a nuestro favor a la hora de hacer fotos y dirigir la
atención donde creemos que está en centro de atención de nuestra foto,
reforzando el mensaje que queremos transmitir con nuestra fotografía.
Planos, ángulos y movimientos de cámara.
PLANO GENERAL
Se usa principalmente para centrar la acción. De esta forma
podemos situar a los actores dentro de un contexto.
PLANO MEDIO
Hay que diferenciar este tipo de plano del plano
medio. El plano americano es típico de las películas americanas. Encuadra a los
actores desde media pierna hasta la cabeza.
PLANO MEDIO
Es el que muestra la figura humana, cortada por la cintura o bien a la altura
del pecho.En el plano medio aparece el personaje a la altura de la mirada del
espectador, con esto se consigue apreciar el impacto de la realidad o de la
acción en el personaje. Tiene un uso psicológico, dramático y narrativo.En
general también se le llama plano americano a cualquier tipo de plano medio. Es
el plano más utilizado en el cine.
PLANO CONJUNTO
Se encuadra todo el cuerpo de los actores y se pretende
ponerlos en relación con el contexto.
PRIMER PLANO
Es una plano “delicado” y no es bueno abusar de él. Muestra
los sentimientos del personaje y/o continúa el desarrollo de la acción.
PRIMERÍSIMO PLANO
Se suele usar muy poco y en contadas ocasiones, solo
cuando se desea que la atención del espectador recaiga en un elemento muy
específico.
.jpg)
PICADA
La finalidad de estos planos es empequeñecer a quien se
encuadre en relación con un plano normal. Se toman desde ángulos altos (por
encima de la línea de la vista y hacia abajo).
CONTRA PICADA
Su función es justamente la contraria que la del plano
picado. Pretende engrandecer lo que se encuadre. Se toman desde ángulos bajos
(por debajo de la línea de la vista y hacia arriba).
|
viernes, 22 de febrero de 2013
Imagen Tramada En Puntos
Trama Estocástica (FM)
El concepto de trama estocástica (una forma rebuscada de
decir "al azar") es simple: Cuando se reduce el porcentaje de tinta
lo que se hace es reducir el porcentaje de espacio ocupado por puntos de tinta.
Para engañar al ojo, lo que se hace es distribuir los puntos de tinta de forma
aparentemente aleatoria (es decir: De forma "estocástica").
Las dos imágenes de modelo sometidas a un tramado
estocástico. El tamaño de los puntos no varía, varía la frecuencia de su
distribución (Frecuencia modulada).
En las tramas aleatorias, los puntos de trama suelen tener
el menor tamaño posible, por lo que el punto de trama (cada uno de los puntos
que forman la trama) y el punto de impresión (cada punto mínimo que es capaz de
imprimir un aparato de impresión) suelen coincidir.
la distribución estocástica de los puntos de trama no es
realmente aleatoria, sino que se realiza aplicando algoritmos de distribución
que simulan la distribución al azar. Cuanto mejor es el conjunto de algoritmos
aplicados, mejor es la trama resultante.
La aplicación de las tramas estocásticas es bastante
reciente, sobre todo en lo que se refiere a impresión comercial. Las impresoras
de inyección de tinta, cuyo bajo precio las ha hecho extremadamente populares,
también suelen usar tramados estocásticos.
Estas tramas, por su propia naturaleza, no tienen forma del
punto ni ángulo de trama ni lineatura. En su caso simplemente hay que hablar de
"resolución", que suele coincidir con la resolución real (es decir:
máxima en puntos de impresión) del dispositivo. Así, una filmadora con 2.400
ppp estocásticos tiene realmente esa resolución de trama. Eso es así salvo que
se quiera usar más de un punto de impresión por cada punto de trama (2.400 ppp
dividido entre 2, en este caso serían: 1.200 ppp).
Si tienes una impresora de inyección con seis tintas
distintas (CcMmYK) y 2.880 × 1.440 ppp, según el fabricante, debes de estar
frotándote las manos, calculando la resolución enorme que le puedes sacar a tu
aparato. Me temo que no es exactamente así. De hecho esas máquinas, aunque
proporcionan resultados excelentes, suelen tener una resolución muy distinta de
los 2.880 ppp que parece indicar el fabricante.
Eso es así, porque cuando se dice, por ejemplo, 2.880 ppp de
resolución, lo que se está haciendo es dar la resolución sumada de los seis
colores al máximo de valor en su desplazamiento máximo (6 × 480 = 2.880), y no
la resolución individual de cada color en su desplazamiento mínimo (240 × 6 =
1440), que es lo que debería darse.
En esas impresoras hay dos pares de colores que se excluyen
(Cian claro interviene donde no interviene Cian y Magenta claro, donde no
interviene el magenta). Para más inri, los 240 ppp son sólo en el caso de que
los colores que intervienen sean masas de color al 100%, única posibilidad en
la que habría el máximo de puntos, bajando al 50% de color, obviamente la
resolución se reduce un 50% aproximadamente (depende exactamente de los
algoritmos de tramado de cada dispositivo).
A pesar de esto, es cierto que las tramas estocásticas
tienen importantes ventajas. Una bastante importante es que permiten imprimir
sin Muaré
El control de calidad extremo que requieren las prensas con
tramas estocásticas y su elevada ganancia de punto han hecho que, de momento,
su entrada en el mundo de la imprenta comercial haya sido menor de lo esperado.
Trama Amplitude Modulated (AM)
En el siglo XIX las ilustraciones para los libros se hacían
en madera, a la aguada y a lápiz, y se grababan a mano, por lo que fue un gran
avance la posibilidad de reproducir fotografías e imágenes con distintos
niveles de luces y sombras.
En las décadas de los 50s y ’60s del siglo pasado este
sistema se instala de forma definitiva en la industria gráfica a través de las
revistas de cómics impresas en papel de pulpa que usaron puntos bendéi* para
crear colores y sombreados intermedios de una manera “económica” al utilizar la
misma tinta solida en otros lugares de la ilustración. Los cuadros más famosos
del artista plástico Roy Lichtenstein se realizaron con la técnica “puntos
bendéi”.
La técnica actual de tramas, consiste en puntos de tamaño
variable entre el 1% y el 99%, dependiendo de las líneas por pulgada o LPI
(line per inch), la característica principal es que posee ángulos para cada
color y estos generan una roseta. Esta técnica utiliza la capacidad integradora
de la óptica humana para dar una apariencia de tono continuo dónde en realidad
sólo existe cuatro tonos de tintas de impresión (Cian, Magenta, Amarillo y
Negro) además del color dado por el sustrato o papel.
En impresión de cuatricromía (CMYK) varía entre cada color
el ángulo de trama en 30º para evitar la superposición de los puntos y la
aparición de unas ilusiones ópticas llamadas “moiré”.
La cantidad de líneas por pulgada se conocen como lineatura
o frecuencia de trama. Cuantos más puntos por pulgada lineal presente una
trama, más fina será y tendrá mayor capacidad de reproducir detalle y de dar
una mayor apariencia de tono continuo.
Es importante elegir la frecuencia de trama en función del
sistema y el sustrato que se utilizara para la impresión, pues no en todos los
casos se pueden utilizar tramas demasiado finas, pues se corre riesgo de que la
impresión presente pérdida de información por saturación o pérdida de punto.
Importante mencionar que hoy esta técnica se denomina AM amplitud modulada (AM
Amplitude Modulated) y que ya existen otras como la FM Frecuencia modulada (FM
Frequency Modulated) y las tramas XM (cross modulated – AM/FM).
Trama XM
Para conseguir una impresión de alta resolución con unos
niveles óptimos de calidad, es necesario utilizar tramas de los dos tipos
anteriormente mencionados de forma híbrida. Esto significa la aplicación de
tramas FM en las luces y sombras para reproducir los detalles más sutiles, y de
tramado AM en los medios tonos para conseguir degradados suaves.La tecnología
de tramado XM, calcula las zonas en donde es necesario utilizar tramas AM y FM
sin intersecciones perceptibles entre los dos tipos. Las tramas XM utilizan un
tamaño de punto adecuando a la prensa (los puntos nunca serán más pequeños de
lo que la prensa pueda imprimir).
Aunque la distribución de los puntos en las luces y sombras puede parecer aleatoria, no se trata de un auténtico tramado estocástico.
Si bien en las zonas en las que se utiliza un tramado FM se
emplean puntos menores controlados según el método de tramado estocásticos,
éstos quedan alineados siguiendo los ángulos de trama AM que se establecen en
los tonos intermedios. El resultado es un tipo de tramado totalmente nuevo,
denominado tramado de “modulación cruzada” o XM.
Dado que los puntos de FM se colocan en los ángulos de AM
establecidos para los tonos intermedios, no existen intersecciones por la
aplicación de las dos tecnologías. Los tonos planos se reproducen utilizando
los mismos ángulos AM (ya sea en las zonas de luces, tonos intermedios o
sombras). No se aprecian defectos en los degradados.
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